Last Change To Evacuate Planet Earth

Ho appena ascoltato l’album dei British Lion di Steve Harris… è imbarazzante.

Il peggior album del 2012.

We Want Maiden.

(Source: emmanuelnegro)

Album of the Week

Soundgarden - King Animal

Tornano i Soundgarden, e nemmeno io mi sento troppo bene.

Piccola premessa: i Soundgarden sono stati uno dei gruppi che più hanno segnato la mia adolescenza. Oltre che reputarli seminali e fondamentali per millemila motivi artistici, sono uno dei gruppi che più mi ha influenzato musicalmente. Album come Lourder Than Love, Badmotorfinger e Superunknown erano pindarici viaggi esoterici, blasfemi, percorrendo senza rispetto strade che erano state solo iniziate negli anni settanta da gruppi come i Black Sabbath e i Led Zeppelin, per poi essere abbandonate per buona parte degli anni ottanta. Fino all’avvento di Chris Cornell, Kim Thayil, Matt Cameron e Ben Shepherd (succeduto a Hiro Yamamoto). I Soundgarden, seguiti anagraficamente dagli Alice In Chains (autori nel 2009 di un notevole come-back), hanno letteralmente riesumato le forze oscure e tribali del rock, quelle che hanno sempre spaventato le frange conservatrici di qualunque cultura religiosa, imponendosi come i migliori nipoti di Jimmy Page e Ozzy Osbourne.

Il problema dei Soundgarden, dal loro triste e desolante scioglimento in poi, è stato sopravvivere a loro stessi. Troppo grandi, troppo immensi. Troppo.

E mi avrebbero fatto un grandissimo favore a fare un brutto album. O anche un album stanco. Così avrei felicemente stroncato un album palesemente brutto.

Invece.

Dopo quindi anni esce King Animal, con un singolo neanche troppo convincente (ma i nostri non sono mai stati dei felici “sceglitori” di singoli, a parte qualche raro e fortunato caso), preannunciato da un debolissimo e quasi imbarazzante brano all’interno della colonna sonora di The Avengers. Ed è pure un bell’album. Con un mucchio di cose che ti ricorda quanto sono fighi i Soundgarden. Anzi. Dirò di più. Un paio di brani di questo album si piazzano fra i top della loro intera produzione.

Ma. C’è un ma. C’è sempre un ma (c@##o).

King Animal suona come ci si aspetta suoni un album dei Soundgarden. Ma il bello dei Soundgarden era proprio che non sapevi cosa aspettarti da una loro nuova uscita. Ora come la mettiamo?

Sia chiaro. Se solo un terzo dell’intera discografia degli Audioslave avesse avuto lo stesso spessore di King Animal probabilmente i Rage Against The Machine non si sarebbero mai riformati (e anche di questo, onestamente, non so dire se sia un felice come-back o meno). E il problema della nuova fatica dei Soundgarden è proprio l’eccessiva ricerca di Cornell del singolo perfetto. A scapito delle cupe ed esoteriche energie che scaturivano dai lavori della loro precedente vita.

Al punto di  proporre un paio di brani che sembrano più degli scarti di lusso degli Audioslave piuttosto che delle nuove idee partorite dal combo di Seattle.

Potrei sintetizzare tutta questa manfrina dicendo che è troppo commerciale per essere un album dei Soundgarden. Ma mi fa incazzare perché dopo l’iniziale Been Away Too Long (primo singolo e primo-tristissimo-video tratto dall’album) in mezzo ci sono vere e proprie perle, da una potentissima Non-State Actor, ad una melodica, commovente e convincente Bones of Birds, la cavalcata d’altri tempi di By Crooked Steps, A Thousand Days Before, con le tanto care influenze orientali che ci ricordano Badmotorfinger, e soprattutto, una immaginifica Blood on the Valley Floor, una intensa Taree ed una possente Eyelid’s Mouth, vere perle di quest’album. Che si mischiano con delle superflue Black Saturday, Halfway There (che di sicuro non avrebbero sfigurato in un qualunque album dei già citati Audioslave, ma che qui perdono proprio contesto), e una Attrition che mi lascia interdetto per scontatezza.

Eppure ad oggi non so dirvi se arriverò ad amare o ad odiare quest’album. Nonostante lo stia ascoltando in heavy rotation. Probabilmente finirò per scrivere un post fra un anno quando avrò metabolizzato se si tratta di un lavoro sincero o furbo. Anche se sono consapevole che se un qualunque album degli ultimi Pearl Jam fosse così potente si griderebbe al miracolo.

Per ora mi fa incazzare per quanto mi piaccia.

Album of the Week

Rush - Clockwork Angels

Ventesimo album in studio (ma diciannovesimo composto da materiale originale), neo-vincitore del best album of the year al Prog Awards 2012 (a pieno merito), Clockwork Angels si pone senza mezzi termini nell’olimpo dei capolavori dei Rush, band dall’immenso talento, mai paga del proprio stile, ma sempre pronta a rimettersi in discussione.

Proseguendo sulla strada mostrata dal come-back Vapor Trails e strutturata su Snakes & Arrows, la band sviluppa un concept album potente, ricco di spessore, musicale e poetico, un vero e proprio viaggio in cui ci accompagnano, ci emozionano, ci mostrano luoghi, eventi, persone, storie. Senza sbavare mai in una sorta di auto-referenzialità, mischiano sapientemente un songwriting in stato di grazia con la loro consolidata perizia tecnica, diversi quintali di classe e qualche cargo di entusiasmo.

La cosa che più stupisce (se non li si conosce bene) è l’entusiasmo e la potenza con cui questi ormai sessantenni riescono ad affrontare la vita e la musica, sia che si tratti dell’elaborazione di uno dei più convincenti concept da molti anni a questa parte, sia che si parli della loro sanguigna e possente riproposizione live del loro repertorio.

Segno della loro fiducia e della loro profonda convinzione su questo progetto, sul setlist dell’attuale tour mondiale, più di metà della seconda parte del concerto si incentra su nove delle dodici tracce che popolano questo lavoro. Brani che riescono a vivere di una luce propria anche posti fuori contesto dal concept album (caso assai raro nella storia del progressive, in cui di solito l’estrapolazione di canzoni dal contesto ne fa perdere anche parte della potenza espressiva).

All’ascolto di questo lavoro non mi sento neanche di darvi ulteriori consigli (potrei dirvi che la mia preferita in assoluto è The Anarchist, ma è un piccolo giudizio personale e non obiettivo) se non di ascoltarlo più volte integralmente e in diversi contesti (dall’autoradio all’impianto casalingo), l’importante che abbiate la possibilità di sentirlo ad una qualità sonora decente, per poi perdervi nel pescare i brani e dissezionarli, alla ricerca della ghiandola pineale che distingue i buoni album dai capolavori. Non la troverete, ma si dice che quello che conta in un viaggio non è la destinazione, ma il viaggio. E mai, come in questo caso, frase è stata più pertinente.

Piccolo consiglio ulteriore per gli acquisti: sono usciti ad inizio anno tre cofanetti, dal costo medio di circa 40€ l’uno, rappresentanti delle prime tre fasi della band, che prendono il nome di Sector 1, Sector 2 e Sector 3. Assolutamente da avere.

Album of the Week

Marillion - Sounds That Can’t Be Made

Potrei stare ore a parlare dei Marillion. Della loro storia, della loro musica, del loro rapporto stretto con i fan, delle loro idee imprenditoriali che han permesso loro di sopravvivere ad una fase che li stava portando verso l’oblio sul finire dello scorso millennio. I primi a vendere la propria musica e i propri live direttamente dal loro sito, a chiedere il supporto dei fans attraverso il meccanismo del pre-ordine, per la produzione di nuovo materiale.

Potrei parlarvi anche della magica atmosfera che regna durante i Marillion Week End, eventi biennali in cui la band ringrazia i propri fans proponendo tre differenti concerti-evento, riproponendo brani che, per durata ed età, non sempre possono trovare spazio nei setlist dei vari tour.

Oppure potrei parlarvi dei fan dei Marillion, perennemente in conflitto fra la fronda pro-Fish era e quella pro-Hogarth era, separati in casa sulla produzione marillica, divisa nei primi quattro album da un lato e i successivi quattordici dall’altro.

Forse sarebbe indispensabile parlare di tutto questo, per far capire come quest’album, Sounds That Can’t Be Made, diciassettesimo in studio, spezzerà in due le opinioni dei fan. Anche di coloro i quali (come il sottoscritto) han comunque conosciuto i Marillion dopo la dipartita artistica di Fish (o poco prima), apprezzando ed amando capolavori come Brave, This Strange Engine e Marbles.

Premetto subito il giudizio: Sounds That Can’t Be Made è, a mio parere, un gran bell’album. A parte un paio di cadute di tono (Pour My Love e Invisible Ink, ai vecchi tempi sarebbero state poco più che delle gradevoli b-side). A tratti sfiora quasi il capolavoro. Quasi. C’è a mio parere ancora molta passione fra i solchi (digitali, fino all’uscita della versione in vinile) di quest’album. Ci sono ancora molte idee, molta carne sul fuoco. A volte troppa, col rischio che alcune cose si brucino ed altre restino un po’ crude. Inconfondibili nel loro lirico Rock Romantico (che non ho mai compreso come significato.. ma se penso che coniarono quest’etichetta praticamente apposta per loro, non posso non esimermi dall’utilizzarla), ma con la voglia di azzardare, di proporre qualcosa di diverso.

Ora, giustamente, vi chiederete: ma come mai questo quasi-capolavoro non avrà il consenso unanime dello zoccolo duro dei fan? (Parlo con cognizione di causa, visto che ho già partecipato a qualche discussione in proposito del brano di apertura, Gaza, e letto in giro per la rete molti commenti discordanti) Perché la band ha deciso di giocare con sè stessa e spingere certe sfumature del loro stile, quasi estremizzandole. Stordendo l’ascoltatore abituale, ma catturando l’interesse del neofita. Contrariamente al rassicurante ma stanco Somewhere Else, il nuovo album a tratti spiazza.

Prendendo in esame Gaza, mini-suite di apertura (diciassette minuti abbondanti, preparatevi), la band capitanata (in questo caso, letteralmente) da Hogarth, declama la sua dichiarazione d’intenti: siamo noi, ma possiamo anche essere altro. Un brano che inizia sostenuto da un potente riff di chitarra e tastiera che si interseca su intarsi molto “orientali”, per poi cambiare più volte improvvisamente tono, atmosfera ed emotività, guidati dalla voce del singer, mai come in questo brano strumento centrale della struttura melodica ed armonica.

Gaza parla dei bombardamenti visti con gli occhi di un bambino palestinese. Argomento forte (ed anomalo, per quel che riguarda le liriche della band), trattato in alcuni punti a volte con un pizzico di retorica, ma che tenta di affrontare da un punto di vista più umano che politico un argomento che sta facendo già molto discutere chi ha sempre seguito la band. H si cala nella parte, chiedendosi ingenuamente il perché di questa insensata violenza, con una sorta di improvvisi cambi-scenario scanditi da variazioni di tono che vanno dal concitato al desolato, al commosso. Senza soluzione di continuità, come bombe che cadono dall’alto in momenti di quiete. Dove The Invisible Man (meraviglioso brano di apertura di quel masterpiece che è Marbles) era fluido nei passaggi armonici (ed emotivi) della storia, Gaza è quasi fratturato, spezzato, improvviso e nervoso. Come se le bombe stessero quasi cadendo sulle nostre teste. In questo lo trovo geniale. Altri lo trovano troppo frammentario. Troppe (buone) idee che si mischiano “senza essere sviluppate autonomamente” (cit.). Probabilmente con un altro produttore (chi ha detto Dave Meegan?) il brano avrebbe acquistato un’altra forma… ma sarebbe stato un bene? Avrebbe reso ciò che sembra essere originariamente nelle intenzioni della band? Se si pone attenzione al testo e a come è accompagnato da questa nervosa struttura, a me la risposta sembra un chiaro e franco no.

Montreal, seconda suite dell’album, al contrario mostra il fianco alle critiche avanzate sul precedente pezzo. in questo caso credo che una produzione più accurata (chi ha detto Dave Meegan?) avrebbe effettivamente aiutato a rendere più efficace questo brano, bello ma meno incisivo dell’altra piece. Un esempio? Qualcuno mi offra una valida giustificazione sul senso di chiudere un brano di oltre quattordici minuti in sfumando… quattordici minuti comunque apprezzabili, sia chiaro, ma una maggior cura avrebbe potuto donare al pezzo molta più efficacia.

La title track si riconcilia con lo stile classico della band, un bel brano cadenzato, molto “inglese” che sfocia in un gran assolo finale. Con The Sky Above The Rain, ballad di chiusura dell’album, meravigliosa e commovente, a mio parere, sono i momenti migliori dell’album. Menzione d’onore anche per il singolo Power (primo singolo azzeccato dalla band da molto tempo a questa parte) e Lucky Man, brani energici, che ci mostrano una band in forma ed ancora entusiasta di fare musica, dopo ormai trenta anni di storia.

Cosa manca a quest’album? Forse, se la produzione (chi ha detto Dave Meegan?) fosse stata all’altezza delle idee della band (che obiettivamente dimostrano avere ancora in un’abbondante e fortunata qualità), si parlerebbe di capolavoro. Invece una certa approssimazione (la meravigliosa chitarra di Rothery -bestemmia- mai così “sotto” come in alcuni punti dell’album, i piatti della batteria che a volte “coprono”, alcune soluzioni in fase di arrangiamento su Montreal ed alcuni campionamenti), non giova ad un album che comunque presenta idee fresche e vitali. con l’appoggio di un produttore che avrebbe spinto la band a sviluppare certe idee e a metterne da parte altre, probabilmente quest’album avrebbe messo d’accordo tutti. Quasi-capolavoro quindi. Mi aspetto che fra un paio di lustri venga rivalutato a dovere, dopo lo strapazzamento di critiche che subirà nei mesi a venire. Ma il fatto che se ne parlerà molto nei mesi a venire sarà solo indice della qualità del materiale e della validità di idee contenuto nelle tracce di Sounds That Can’t Be Made.